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       TEXTO DE LA SEMANA:

 

"3 Pianistas, 3 Estilos, 3 GENIOS"

Quien tenga una verdadera pasión por el piano, soñará un día con tocar a la perfección cualquier pieza de estos grandes de la música. Dentro de unos contextos bien diferenciados, cada uno de los pianistas  presenta su propio genio, y cada uno de ellos expresa su sensibilidad y transmite sus emociones al público a través de un instrumento tan majestuoso como el piano.

 


KEITH JARRETT:  (Allentown, Pensilvania, 8 de mayo de 1945) es un pianista y músico de jazz estadounidense.
Se trata de uno de los maestros del jazz de vanguardia, cuya producción más sobresaliente es una serie de piezas improvisadas grabadas en directo en Colonia, París, Milán, Viena, Tokio y otras ciudades. Probablemente estos sean sus trabajos más famosos, pero es sin duda un enorme virtuoso. Muy versátil, Keith ha interpretado lo mismo música de autores del barroco europeo como Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel, solo o en diversas alineaciones que incluyen, entre otros, a la virtuosa de la flauta barroca Michala Petri, autores minimalistas contemporáneos como Arvo Pärt o jazzistas contemporáneos como Miles Davis, con quien inició propiamente su carrera, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette entre otros.

También interpreta piezas para piano clásico, clavicordio, clavecín y órgano. Ha grabado varios discos de música clásica, interpretando obras de Johann Sebastian Bach, Händel, Mozart y Shostakovich, entre otros.

Jarrett tiene la reputación de ser un perfeccionista excéntrico y, mientras toca, suele vocalizar de forma expresiva.

 

 

 

"KÖLN CONCERT"   (es una pena que no haya una filmación de este "KÖLN CONCERT")

Cuando uno lo escucha por primera vez, queda uno absorto, impávido, deliciosamente estúpido; la gente que se congregó en el Opera Haus en Colonia, Alemania, fueron testigos de la más grande improvisación en la historia del Jazz de la que pudo haber sido objeto.
Un milagro se generó ahí, todo un arte efímero, irrepetible. Keith se lamenta, gime, suspira, canta, llora; su piano conmueve, lo aporrea, lo acaricia; el alma se nutre de escuchar semejante belleza.
Todo fue espontáneo, etéreo; solamente cerró sus ojos y tocó, lo que siguió fue mágico. No son cuatro canciones en si, es un sólo concierto que nutre los sentimientos.
Desde la primera vez que lo escuché me enamoré de este piano, por más está decir, que es uno de mis favoritos...

 Presentar aquí este "Concierto de Colonia" es para mi, más que un placer, una obligación. Keith Jarrett está considerado, sino el mejor, uno de los mejores de los improvisadores de música de todos los tiempos. Es un artista muy polifacético: interpreta jazz, es precursor de la New Age, de la fusión del jazz con el rock y pasa por ser uno de los más originales interpretes de música barroca. Pero sobre todo destaca por sus grabaciones en directo sin ningún tipo de preparación. Si tuviera que recomendar discos suyos, a parte de este, (creo que están cerca de los setenta los que yo tengo localizados) nombraría la caja de "The Sun Bear Concerts" con seis magníficos CDs, "The Paris Concert", "The Melody At Nigth, With You", "Book of Ways" y por supuesto todos lo que ha grabado de Bach: "Las suites francesas", "Las Variaciones Goldberg" (sé que muchos se rasgarán las vestiduras, puristas hay en todos lados y sobran), y los dos CDs de "El clave bien temperado". Nada que envidiar al otro mago, este canadiense: Glenn Gould.

The Köln Concert  En este disco, Jarrett realiza improvisaciones solistas en el "Cologne Opera House" en Köln, Alemania. Este álbum es uno de los álbumes de jazz más vendidos de la historia, y sin dudas el álbum de jazz solista con mayores ventas de toda la historia. El concierto está dividido en tres partes, cada una con una duración de 26, 34 y 7 minutos, respectivamente, aunque hay versiones actuales que entregan el concierto completo sin divisiones. Debido a que originalmente fue lanzado como un LP, la segunda parte fue dividida en dos segmentos rotulados como "Parte II a" y "Parte II b". "The Köln Concert" fue aclamado por la crítica como una obra maestra que "fluye con el calor humano".

En el "Köln Concert" la música va creándose, caminando, escondiéndose y surgiendo hasta alcanzar, por momentos, una belleza y una intensidad que provoca, si uno se mete de lleno, que las lágrimas asomen por los ojos. Pese a ser ‘piano solo’ al escucharlo con atención se aprecian pequeños grititos que anuncian lo que está a punto de surgir de sus dedos, por ello no es de extrañar que él a menudo se refiera a sus composiciones como "cantos". Son 66 minutos y 10 segundos de autentico placer. Os puedo contar una anécdota que dice mucho de lo que hablo. Íbamos este verano en coche con dos amigos que no paraban de hablar y hablar, mi dolor de cabeza llegó a tal punto que decidí tomar cartas en el asunto. Sutilmente cambié el compact, puse el que aquí os presento, subí un poco el volumen y... se hizo el "silencio" más absoluto. Tanto mi ‘copilota’ como el amigo que iba detrás son hoy día auténticos fans de este gitanazo yanqui descendiente de mil razas europeas

...   Köln Concert  1ª parte  .


 

  Köln, January 24, 1975, Part I Köln, January 24, 1975, Part I 26:15          ... fragmento  

  Köln, January 24, 1975, Part II a Köln, January 24, 1975, Part II a 14:56  ... fragmento  

  Köln, January 24, 1975, Part II b Köln, January 24, 1975, Part II b 19:18  ... fragmento  

  Köln, January 24, 1975, Part II c Köln, January 24, 1975, Part II c 6:59    .....fragmento

   Keith JARRETT

 


LUDOVICO EINAUDI: Se trata de un músico curioso y abierto a experimentar, crea una mezcla entre sus sonidos vanguardistas y melodías ancestrales desde el jazz y el rock hasta la música contemporánea, aunque conserva todos los detalles e incluye elementos referentes a los avances de la electrónica, y experimenta también con culturas musicales provenientes de todo el mundo, así como el pop. Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro, se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: «En general, no me gustan las definiciones, pero 'minimalista' es un término que significa elegancia y sinceridad; por lo tanto, prefiero ser llamado 'minimalista' que cualquier otra cosa». Al igual que otros compositores minimalistas posmodernos; como Michael Nyman, Arvo Pärt, Brian Eno o Michael Hoppé, Einaudi está influido por Erik Satie, quien puede considerarse como un precursor de este movimiento o estilo, del mismo modo que en pintura Edvard Munch lo fue para el expresionismo.

En el transcurso de su carrera, ha colaborado con artistas pertenecientes a diferentes corrientes musicales tales como: Ballakè Sissoko, Djivan Gasparijan, Mercan Dede, Robert y Ronald Lippok. Además, fue el único artista de música clásica que participó en la primera edición del iTunes Festival (en 2007) junto a algunos de los artistas y bandas de rock más populares y reconocidos del mundo (Oasis, Placebo y Franz Ferdinand, entre otros muchos).

En 2009, fundó el grupo Whitetree con los alemanes Robert y Ronald Lippok, ex miembros de To Rococo Rot, con los que creará un álbum llamado Cloudland.

El magnetismo de su lenguaje simple y original caracterizado por su sonido ligero a la vez que envolvente se ha extendido a lo largo del mundo. Entre estos países se encuentra Londres, donde actuó en el Royal Albert Hall y en el Teatro Barbican, Estados Unidos (San Francisco, Washington y Nueva York), Francia (Olympia de París), Canadá (Montreal yToronto), el Teatro de la Ópera de Kiev, la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de San Petersburgo, Australia (Ópera de Sidney) o Asia (Hanoi, Bangkok, Shanghai yTokio). En su estancia en China, el Centro Nacional de Artes Escénicas de Beijing (NCPA), le encargó que realizase una composición dedicada a temas ambientales, que sería presentada por la orquesta, de estreno mundial, en Beijing en junio de 2013.

El productor del programa radiofónico Hearts of Space, Stephen Hill, ha incluido en varios de sus programas recientes parte de la obra de Ludovico Einaudi. El mismo Hill lo ha catalogado un «minimalista contemplativo» y le ha dedicado un programa denominado Divenire, como el título de uno de sus álbumes. En este programa, se incluyen piezas musicales de sus álbumes Divenire, I Giorni, Le Onde, Stanze, Eden Roc y Sotto Falso Nome.

En el 2011, dejó de ser un compositor para melómanos y minorías aficionadas al minimal y saltó a la popularidad mediática, por ser el compositor de la banda sonora original de la película francesa Intocable, de Olivier Nakache y Eric Toledano.

En 2016 participó en el vídeo de la campaña de Greenpeace —Save the Arctic— que se rodó en pleno Ártico.2​
 

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   Ludovico EINAUDI

 


MICHEL PETRUCCIANI: (Orange, Francia, 28 de diciembre de 1962 - Nueva York, Estados Unidos, el 6 de enero de 1999) fue un pianista y compositor de jazz francés. Dotado de una extraordinaria técnica, su estilo fluctuaba entre una atmósfera intimista y romántica, propia de la escuela de Bill Evans, del que era un ferviente admirador, y otra con un gran uso del ritmo que combinaba la sutileza del lirismo y la potencia de un ataque percusivo.

Vivió aquejado de una grave enfermedad ósea llamada osteogénesis imperfecta, por lo que apenas llegaba al metro de altura. Sin embargo, esto no fue obstáculo para que se dedicara desde la infancia de manera casi exclusiva al estudio del piano, lo que le permitió convertirse en uno de los pianistas de jazz de mayor renombre de todos los tiempos.

 

Cuando Petrucciani escuchó a Duke Ellington, en un concierto que emitían en la televisión francesa, descubrió que por encima de todo quería aprender a tocar el piano asi que Papa Noel le trajo su primer piano, de juguete claro, y lo tocó con tanta pasión que casi lo destrozó, su familia pensó que ya se merecía uno de verdad. En esa época, su padre trabajaba cerca de una base militar, alguien decidió que esa base ya no tenía sentido y se cerró. Cuando los soldados se trasladaron se llevaron casi todo, casi, porque se olvidaron de un piano, el mismo que apareció un día en la casa de Petrucciani, manchado con huellas de latas de cervezas; no importaba… ¡era su primer piano!.

Pero había algo importante que solucionar para que el piano cumpliera su función. Michel Petrucciani no era un niño físicamente normal, padecía de una enfermedad ósea llamada “osteogenésis imperfecta” que dejaba frágiles sus huesos y le impedía el crecimiento. Afectaba a todo su esqueleto excepto, afortunadamente, a sus manos. Así que su padre, adaptó la banqueta y le fabricó una extensión de pedales, con su nombre grabado. A cambió, le exigió que primero debía de formarse seriamente en música clásica. Para Michel no era tanto sacrificio , como apenas podía salir a jugar, se pasaba las horas tocando y estudiando. Fue tal su tesón que se convirtió en un virtuoso precoz: con 13 años da su primer concierto y dos años más tarde comparte escenario con Kenny Clarke y forma un exitoso dúo con Lee Konitz.

Pero el joven Petrucciani quería ir al corazón del jazz y decide trasladarse a Estados Unidos. En una visita a California, a través de un amigo suyo que era batería y a la vez jardinero de la casa de Charles LLoyd, consigue que éste le escuche. Al saxofonista le impresiona tanto que lo incorpora en el cuarteto que acababa de formar. Nacería una verdadera amistad y una admiración mutua. Petrucciani fue para Lloyd su ejemplo, su aliento espiritual, le enseñó a amar las cosas sencillas, a encontrar la belleza y sobre todo a reencontrarse con la música.

En poco tiempo su maestría y técnica perfecta, el fraseo, a veces impresionista e impredecible pero sobre todo, su romanticismo llama la atención de la crítica y lo comparan con Sonny Rollins, Art Tatum o Keith Jarret. Y empieza a obtener numerosos galardones y a ser requerido por maestros como Bobby McFerrin o Jack DeJohnette y por prestigiosos sellos como Blue Note que lo incorpora a su nómina de artistas.

Michel Petrucciani, el hombre de cristal, el ser que todos los días sentía dolor pero que una vez que sentaba al piano se olvidaba de su sufrimiento físico:

“Cuando toco el piano siento como el más placentero de los orgasmos no en un sentido pornográfico, claro -decía- porque lo bueno es que lo puedes hacer en público, je”
El que no perdía el sentido del humor y que hasta daba gracias a Dios porque su anormalidad tal vez había sido un regalo. El que odiaba los premios:

“siento que creen que me voy a morir al día siguiente y tienen que darme el premio enseguida”.
El amante que se casó con una pianista y la convenció para que celebraran la boda en el Village Vanguard (la primera vez en la historia del club)..
“¿Por qué no? es donde están todos mis amigos”.
El que tenía el gran proyecto de crear una gran escuela internacional de jazz en su país natal y, muchas actuaciones y muchas grabaciones más…, el hombre de cristal pero con manos de acero, murió con solo treinta y seis años.
Su humor, su ánimo, su coraje y porqué no, su ejemplo, se resumen en una de sus composiciones más bellas LOOKING UP!!

 

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   Michel PETRUCCIANI


 


 

 

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